打造德国版“去哪儿”，Omio获新一轮1亿美元融资
06-18
什么是艺术？毕加索说，艺术是一种想象，可以让我们实现现实。
而当艺术落在特定的纸张、瓷器或物体上时，这些“真实的假设”也成为另一种现实，但并不是每个人都能理解。
每当我去艺术展览来回踱步时，我常常会觉得艺术是一种用户无法轻易理解的东西。
看着画布上明暗色彩的碰撞，说实话很难直接与创作者的精神产生共鸣。
尽管“一千个人中有一千个哈姆雷特”，但仍然有人想接近创始人哈姆雷特。
遗憾的是，很少有展览能让你有机会与创作者一对一接触，近距离接触创作者的“哈姆雷特”。
BIGGER书展给了我们这样的机会。
它不像一般的展览需要走十步才能看到一件作品。
间隔的排列呈现出高端的感觉。
BIGGER图书展上的艺术创作者坐在桌子后面，面前摆着自己或朋友创作的艺术书籍。
当他们遇到一本感兴趣的书时，他们想和创作者谈谈这本书的背景故事或者创作者自己的思想。
面对数百本艺术书籍/作品，一些编辑“轻易”超出了预算。
我去那里的初衷就是想看看世界，聊聊。
回来的时候，我手里拿着一张一千多元的账单，还有几本设计精美、风格独特的美术书。
好在钱包虽然有所损失，但收获也不小。
艾范儿编辑近距离接触了很多有思想的创作者，我们也想给大家讲讲他们的创作故事。
Feel Good栏目经理方嘉文：在出发之前，我们就已经可以预见到，大部分现场制作产品的摊主也会“用爱发电”。
所以，当我们听到《Te》杂志的摊主说，他们不再赔钱了。
真是一个惊喜。
《Te》是我在展会上看到的第一本让人产生购买欲望的年度杂志。
这也是展览中为数不多的可以称为“独立杂志”的作品之一。
这本杂志的诞生是出于在家隔离所造成的混乱感。
2016年，联合策划人秦克春留学回国。
她遭遇了疫情，被困在隔离之中。
与外界隔绝的感觉让她感觉很不舒服。
这本杂志是一个出口，也是一个“借口”——与别人交谈，借机利用采访的“借口”与自己以前认识、喜欢的艺术家交谈。
▲《Te》出于编辑的本能，拿到一本书后，我通常会先翻版权页、目录和作者列表。
虽然本期杂志的主题是“美食”，看似普通又宽泛的话题，但其中却加入了《失落的社会》的定位。
可以说，它呼应了一种失去联系的情感倾向，同时也给一个普通的话题带来了更多的“新奇”取向。
人类学视角的“槟榔”、创意材料“牡蛎”、消失的“美食雕塑”、中国苗族厨师的菜谱、鄂温克人的酒文化……这些话题无一不平凡，至少对于我来说。
谷歌半个小时也想不出来。
在制作方面，虽然杂志封面对于喜欢鲜艳色彩的我来说吸引力不大，但内容的排版并没有为了设计而牺牲可读性，所用的纸张也很有讲究。
其中，目录页使用了与茶叶混合的纸张，以呼应杂志的主题——“这张纸很贵，所以我们只能用在这两页上”。
▲ 茶叶混合论文的准备工作从今年12月开始，今年10月正式出版。
印刷版，售价人民币/本，在多个国家的书店出售。
现在已经快卖完了，成本已经平了（猜猜这只是印刷成本？）。
我们采访的许多摊主都表示，他们有全职工作，他们真正创作是因为他们喜欢它。
但喜欢这个答案似乎太过分了。
这也可能是我个人的问题。
吸引我去阅读的作品往往都是比较“有内容”的作品，也许是对焦虑和艰辛的调侃（见我们公司很多编辑购买的《韭菜书》），又或者是记录生活中美好的细节。
而且，许多参展商来自出了名的穷广告公司和前策展人。
即使是目前依赖商业插画的插画师也会明确表示：“商业插画就是客户让我画什么我就画什么。
” “什么”——由此，我决定松散地推理。
创作本身就是一种缓解情绪、弥补未满足的创作欲望的另类行为。
当然，从“实用”价值的角度来看，这些创意产品也可以成为“作品集”的一部分，但更重要的意义——自我认知应该在创作过程中实现。
或许，对于群居动物来说，躺下可能会带来身体不适的缓解，而创造则是恢复能量和精神的解药。
▲《Te》正文部分还根据文章主题更换了2-3种不同的纸品《明天生活》栏目经理吴志奇：我可能是公司里超预算最多的人。
这次书展我花了1K多，虽然1K的书不多，但还是感觉难得。
同样难得的是与六位创作者交流，探索艺术书籍，聆听他们的创意、思想和珍贵故事。
于少言艺术工作室出版了一系列自行出版的艺术书籍。
于少言坚持创建自己的艺术家库，定期系统地整理每位艺术家不同年龄、不同阶段的内容。
他提到的一个现象是，中国很少有艺术家和美术馆做这样的事情。
不得不吐槽的是，现在很多设计师、摄影书、艺术家都开始卖一些周边产品了。
我还是希望越来越多的人的内容可以做成手工制品，可以缝制，也可以粘合。
给大家展示一下，大家互相交流一下。
我们应该用作品去交流，而不是制作各种卖得好又便宜的周边产品，然后摆摊或者进入市场。
这其实违背了我们艺术书展的初衷。
这实际上是一种交换。
平台。
我们需要慢慢完善国内的收藏体系，而不是仅仅认为这本书是商品，买来玩的。
这些艺术书籍都是限量版，价格比较贵，而且数量也很少。
它们不是商品，不受数量限制，新年和假期期间不打折。
它们都有签名和编号，是可以升值的物品。
▲于少言令人印象深刻的艺术书架上还有独立艺术家尚亮。
他从 2017 年开始制作独立内容，因此他有了一个 iPhone 自拍项目。
这听起来像是一个奇怪的创作，但他说——当《世界报》记者采访我时，我想到了一句话：当我把镜头指向世界时，很容易迷失自我。
当我把相机对着自己时，就能看清世界。
▲ 他还有另一个 iPhone 自拍项目，名为“明天会更好”。
我们讨论并制作了 30,000 到 40,000 个与该口号相关的贴纸，并将它们张贴在世界各地的城市空间。
他们会与路人互动进行二次篡改，也会在网络上造成大量传播。
我这样做是因为我觉得在我们现在的环境下，公共空间缺乏个人表达。
街道上充斥着商业广告或标语，但街道是属于每个人的，我们可以有一定的个人表达空间。
APPSO经理刘凌格：蒋嘉欣将胸针、冰箱贴、小册子称为“周边三大经典单品”。
今年9月，他制作了多套挂历。
其实卖日历的摊位还蛮多的，但我还是一眼就被吸引了。
他和他的作品非常引人注目。
这种色彩斑斓、直白又幽默的东西，实在是太吸引人了。
书展上人很多，我们不想耽误摊主的生意。
我和蒋嘉欣的交流几乎是建立在我不断让座的顽固坚持上。
我还提出：“我50块钱给你买一幅画，你也送我一幅。
”他很高兴地答应了这个建议，我就拿出手机录视频，听他分享一些零碎的感受。
▲蒋嘉欣的展位《美国连环画》记录了蒋嘉欣2017年在美国学习、工作、生活的故事，第一部作品于2018年秋天完成，2016年8月，他刚刚完成了该系列的第30部作品。
预计共完成50项工程。
关于。
目前姜嘉欣还在筹备《美国连环画》动画片。
其中一幅画作记录了他2018年12月31日独自在纽约时代广场过年的场景。
这是“纽约”系列的第三幅，今年才完成。
这幅画是他的得意之作，跨越了许多年，而这幅画的最终呈现也与原作有所不同。
左下角戴红帽子的是他年轻时的形象，黑色的是他完成这幅画时穿的衣服。
对于女孩的背影，他并没有过多解释。
他自己说的是，他想用这两个反派来“表达我记忆中永恒的爱和愧疚”。
▲《美国连环画》作品APPSO编辑周宇：交流中给我印象最深的是NICOLE X BOOK工作室的经理是孟杰。
与传统摄影书籍注重展示不同，孟杰希望观众能够以更具互动性的形式来观看摄影作品，比如便笺、便签本等，他们所有的纸质作品都以互动性很强的形式展示。
这个《合订本》之所以被设计成类似便签本的样子，是因为观众撕开一页后，下一页就会是一个巨大的标题，比如有一个人在山边行走，这会促使人们在脑海中形成特定的视觉形象。
当观众打开下一页时，照片会与脑海中之前的形象形成鲜明对比，颠覆观众的想象。
我还问他们是否曾经考虑过以电子方式创作或出售这些照片。
我们其实也尝试过基于手机等电子媒介来创作作品，但后来放弃了。
比如你看这个刮刮的作品，每个人对于刮刮的动作都有不同的选择。
有些有强迫症的人会刮得很干净。
，有的人只刮一点，有的人甚至选择用刮的动作来创作。
手机等电子媒体无法提供如此深入的交互操作。
▲《合订本》爱范儿编辑黄志坚：我在书展上认识了来自雅昌的设计师卓伟，雅昌是中国领先的艺术印刷厂之一（也许没有）。
他们的印刷厂出版了苹果的《Designed by Apple in California》。
作为印刷制造商，他们与许多艺术家和商业品牌都有深度合作。
据他介绍，一些独立的创作者在制作个人书籍时，往往由于缺乏印刷排版经验，无法将自己的艺术理念充分融入到最终的设计中。
但雅昌可以通过专业的设计、剪辑和制作团队，帮助独立创作者将它们融入到最终的设计中。
这些想法即将实现。
▲《Designed by Apple in California》在他看来，艺术书籍整体来说是一个小众但充满激情的圈子。
以往，北京、上海举办书展的机会较多，气氛也较为浓厚。
现在广州、深圳这样的城市正在慢慢崛起，发展也相当迅速。
只是公众对艺术书籍的认知仍然限制了其发展。
由于艺术书籍的制作和印刷成本高于普通书籍，因此其平均单价也偏高。
例如，苹果的设计书就价值数千元。
其实它们的成本也很高，但是很多读者不明白这一点，很容易害怕。
整体来讲，其实给我印象最深的是画册的设计。
许多艺术书籍的设计需要翻转、触摸甚至破坏来传达信息。
这种通过真实交互传递信息的体验是数字媒体所缺乏的，这是你在网上看不到的。
爱范儿编辑张成辰：这个场景颠覆了我对摄影书、艺术书的很多印象。
《所过之处》的作者阳光一树告诉我，“走职业道路，摄影书是让更多人知道的途径。
但当它们不知名时，出版一本摄影书的成本就很高，而且卖一本是不可能的，不是为了赚钱，只是为了让更多的人知道，这本写真集就能赚钱了。
”他是代表《彩虹系列》写真集来的，这个系列是刘铮剪辑的，剪辑费需要10万元，加上选片等费用，卖块是一个保障。
▲《彩虹系列》摄影书《水石影像》和我所说的也印证了这个说法“摄影书不赚钱，赚不了多少钱。
”成本非常高。
如果你有不止一本书，你就得注意编辑、设计、装订、印刷和纸张。
事实上，这也花费了我三年的时间。
”广东时代美术馆即使一本卖到80元，也还是亏了，因为印刷品就80多元了。
还好，美术馆是非盈利机构，有赞助商、董事会、社会资源来支持艺术的公益事业。
▲ Waterstone Image 不过，与我交流的两位摄影师似乎并不十分担心艺术的亏损和盈利。
“喜欢”是支撑他们做这些事情的一个重要因素，这些书都是限量版的，现在越来越年轻了，他可能也买不到了。
人们都喜欢摄影，一树阳光在和我交流的时候说的感觉我可以分享给大家。
仅靠摄影，但顶尖的人也许能做到。
航海家专栏联合主持人梁晓倩：可能是虚拟宇宙的风吹得太大了。
当我站在@MonsterWorks展位看到《韭菜书》的那一刻，我的心被击中了。
这是一本只有10页的薄薄的艺术书。
画风简单、直率、可爱。
主角是一根长得很好的韭菜。
他讲述了他一生中如何收获一粒又一粒的庄稼。
▲《韭菜书》展位的工作人员告诉我，《韭菜书》的插画师是一名互联网员工，在淘宝购买亚克力植物时被割韭菜。
她经历了惨痛的教训，决定用自嘲的语气写下这段经历。
我几乎没有多想就付了钱。
朋友们，这太难得了，这是一种身临其境的被切断的体验！虽然艺术家本人没有到达现场，但当微信提醒她“付款成功”的那一刻，我对她的同理心达到了顶峰。
被切断的遗憾、愤怒和无奈很快就在人与人之间传递。
拿着这本3分钟就能读完的薄得离谱的书，我这个普通路人，似乎也成为了艺术的一部分。
这一刻，我变身为地球上最厉害的蔬菜，超级韭菜。
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